Andrew W. Mellon Auditorium in Washington

El auditorio Andrew W. Mellon es un edificio de estilo neoclásico, ubicado en Washington, D.C., y es propiedad del gobierno de los Estados Unidos pero está disponible para uso público.

Fue diseñado por el arquitecto americano Arthur Brown, Jr., quien también diseñó los dos edificios adyacentes. Seis columnas dóricas forman el pórtico del auditorio. Sobre el pórtico se encuentra el frontón llamado "Columbia", la personificación femenina de los Estados Unidos. Un segundo frontón detrás del pórtico presenta una escultura que representa a George Washington en la Batalla de Trenton, obra del escultor Edmon Romulus Amateis.

El interior es de estilo Beaux Arts, enseñado en la École des Beaux Arts in Paris. La iluminación interior consiste en candelabros de latón y aluminio que cuelgan del techo, y farolas de aluminio con apliques de oro. El techo fue pintado originalmente de azul.

LA NOCHE ESTRELLADA  - De sterrennacht

El óleo, cuyo precio lo coloca entre uno de los más valiosos en la historia de la pintura, fue creado en el mes de junio de 1889, mide 73 x 92 cm. y se encuentra en el Museum of Modern Art de Nueva York.

En la composición de Noche estrellada, Van Gogh aborda nuevamente el tema de los cuadros nocturnos de las épocas de Arles y París. Se trata de uno de las pocas pinturas donde el pintor renuncia a la observación directa de la naturaleza para crear formas y colores y se entrega para ello a las consignas de su fantasía, estableciendo de este modo una atmósfera de notoria originalidad.
En el cielo se despliega un acontecimiento cósmico de imponente dramatismo. Dos enormes espirales nebulosas se envuelven una con otra, mientras once estrellas sobre-dimensionadas atraviesan la noche con sus halos de luz. La luna, pintada de color naranja en la parte superior derecha del lienzo, hace pensar en un sol radiante, y un ancho sendero luminoso se extiende sobre la línea del horizonte.
El artista ha aplicado en este cuadro su característica, enérgica y rotunda pincelada. Sin embargo, el vigor de la técnica se encuentra atemperado por el ritmo de las curvas voluptuosas que dominan el cielo íntegramente y proporcionan, a la vez, una poderosa acción dinámica al cuadro. Le atraían los constantes cambios de colores  primarios y complementarios.

La noche estrellada, es una obra maestra del pintor neo-impresionista Vincent van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh.

Vincent Willem van Gogh  (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos.

En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de patatas, en ese momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.

La Venus de Willendorf

Venus de Willendorf, es una estatua antropomorfa femenina de entre 22.000 ó 24.000 años de antigüedad. La obra lleva el nombre del sitio a la vera del Danubio donde fue descubierta en 1908 por el arqueólogo austriaco Josef Szombathy.
La figura de esta mujer desnuda, de unos 11 centímetros de alto, fue esculpida monolíticamente en piedra caliza oolítica (que no es local en la región), y pintada con ocre rojo
Parece ser una representación convencional, no realista, ya que su abdomen, vulva, nalgas y mamas son extremadamente voluminosos, de donde muchos estudiosos han deducido una fuerte relación con el concepto de fertilidad. Los brazos, muy frágiles y casi imperceptibles, se doblan sobre los senos; y no tiene una cara visible, estando su cabeza cubierta de lo que pueden ser trenzas, un tipo de peinado o una capucha; la cabeza se encuentra inclinada hacia adelante. El abdomen posee un notorio hueco como ombligo. El abultado pubis se expande sobre los gruesos muslos. Aunque las piernas son anatómicamente muy acertadas, las rodillas están juntas y los pies, que no han sido representados (o se han perdido), estarían separados, terminando la escultura a la altura de los tobillos.

Absolut Warhol

"Absolut Warhol" nació en 1986, cuando un representante de Absolut le preguntó al artista si le gustaría interpretar artísticamente la botella.

La realización de esta primera obra marca el inicio de un largo compromiso de esta marca con el arte, que se ha convertido ya en parte del panorama artístico contemporáneo, la obra de Warhol tuvo un gran impacto.

Tal fue la acogida que tuvo, que la empresa le pidió a Warhol que los ayudara a buscar a los próximos artistas para así continuar la colección.  Las campañas publicitarias de Absolut son una mezcla de arte, innovación mediática y publicidad.

El IVAM y el Arte Pop

El Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM cuenta con unos fondos sobresalientes que recogen obra de muchos de los máximos exponentes de un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, que utiliza las imágenes cotidianas con un sentido diferente para lograr una postura estética.

La Colección del IVAM recoge estas dos líneas de representación de un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad. De un arte popular que toma del pueblo los intereses y la temática. Y los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son los elementos de los que se sirve.

Jasper Johns, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Eduardo Arroyo, Valerio Adami, Juan Genovés, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Hervé Télémaque, Erró, Juan Antonio Toledo o Sigmar Polke son algunos de los artistas que integran este eje de la colección.

MUSEOS ANDY WARHOL

Museos

Existen dos museos dedicados especialmente a Warhol. El Andy Warhol Museum, uno de los Museos Carnegie de Pittsburgh está localizado en el 117 de Sandusky Street, en Pittsburgh, Pensilvania. Con sus más de 12.000 piezas de Warhol, es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los Estados Unidos.

 El segundo museo dedicado a la memoria de Warhol es el Andy Warhol Museum of Modern Art, fundado en 1991 por su hermano John Warhola, el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de Nueva York. El museo se encuentra en la pequeña ciudad de Medzilaborce, a 15 kilómetros de Miková, el pueblo donde nacieron los padres de Warhol, en Eslovaquia. El museo aloja numerosas obras originales cedidas por la Warhol Foundation y algunos objetos personales donados por los parientes de Warhol.

Andy Warhol

Andy Warhol

(Andrew Warhola; Pittsburgh, EE UU, h. 1928-Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes checos, inició estudios de arte, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.

Años 70

Los 70 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. Según Bob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973)

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Equipo Cronica

España, 1964-1981
El Equipo Crónica es el grupo artístico más representativo del Pop Art en España.
Estaba formado en un principio por Manuel Valdés (1942), Rafael Solbes (1940-1981) y Juan Antonio Toledo (1940), que abandonará pronto el grupo, a partir de las propuestas teóricas del crítico de arte Tomás Llorens.


Procedentes de Estampa Popular Valenciana, y marcados por una preocupación social que les lleva a convertirse en cronistas de los hechos sociales, culturales y políticos que sacudían el país, El Equipo Crónica fundado en 1964, se sitúa cercano al arte pop y la nueva figuración parisina, utilizando a su antojo las imágenes que difunden los medios de comunicación de masas y recomponiéndolas en nuevas situaciones que intentaban dar respuestas a la relación entre arte y sociedad en la convulsa España de los sesenta.


El Equipo Crónica toma del Pop Art el uso de las tintas planas, el dibujo despersonalizado y el arte como medio de comunicación de masas. Su obra surge como crítica al individualismo y sus obras se caracterizan por ser realizadas en serie. Su temática encierra un contenido político-social, pues coincide en un momento del expansionismo americano (Vietnam) y de la dictadura española. También es una reacción contra otros grupos disgregados como Dau al Set o Equipo 57. Muchos de sus temas están inspirados en la pintura española del Siglo de oro pero insertados en la sociedad contemporánea.

La obra del Equipo Crónica adquiere mayor importancia con el paso de los años y sin ella no se entendería la evolución de la figuración española a partir de los años setenta. La producción pictórica del Equipo Crónica, limitada a 17 años va desapareciendo del mercado y pasa a engrosar las principales colecciones públicas de España y Europa

Pop art en Japón

El pop art en Japón es único e identificable como japonés por sus temáticas y estilos.  La inspiración de muchos artistas proviene del anime, a veces del ukiyo-e (grabados en xilografía o en madera) y el arte tradicional japonés.

Actualmente el artista más conocido es Takashi Murakami, quien fundó un colectivo de artistas llamado Kaikai Kiki.  Este grupo es reconocido mundialmente por su estilo "superflat", altamente abstracto y único.  Este movimiento postmoderno, que se inspira principalmente en el anime y la cultura urbana japonesa, ha tenido un gran impacto cultural.

Otro artista japonés, Yoshitomo Nara, es famoso por su arte inspirado en el graffiti.  Muchos artistas usan imágenes surrealistas, incluso obscenas, sacadas del hentai (género del manga y del anime de contenido pornográfico).  Este elemento atrae la atención de jóvenes y viejos, y aunque es provocador, no se toma como ofensivo en Japón.

Una metáfora muy usada en el pop art japonés es la inocencia y la vulnerabilidad de la niñez y juventud.  Artistas como Nara y Aya Takano usan a los niños como tema en casi todo su arte. Mientras que Nara crea escenas de rabia o rebelión, Takano transmite la inocencia de los niños retratando niñas desnudas.

Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein, junto a Andy Warhol, el representante más destacado del Pop-Art.
Fascinado por la imagen como imagen, cuando le preguntaron por qué pintaba cuadros de cuadros, respondió que "de alguna manera, es lo que han hecho siempre los pintores". Porque, según él, cuando en el pasado un artista se colocaba frente a su modelo para pintarla, a lo que aspiraba era a convertirla en un cuadro. "Un buen artista quiere pintar un buen cuadro y, de hecho, esa es la razón por la que se conforma con su modelo como punto de partida". Para Lichtenstein lo más importante no era la modelo, sino el cuadro.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling, son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizaban para imprimirlos.

Por otro lado, sus esculturas también recuerdan el mundo del cómic. En el Paseo Colón de Barcelona puede contemplarse esta "Cap de Barcelona".

En 1964, la revista Life publicó un artículo en el que el autor se preguntaba si Roy Lichtenstein era el peor artista de Norteamérica. Cuarenta años después, los cuadros pop de Lichtenstein, basados en tiras cómicas, anuncios de periódico y reproducciones de bellas artes, se venden tan caros como las obras de Renoir y Monet.